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A banda francesa OÏKOUMEN inova ao transitar do metal sinfônico para o progressivo orquestral. Em entrevista com a vocalista Laura Mazard, falamos um pouco saúde mental, bullying, burnout e traumas pessoais, além de conversarmos um bocado sobre a banda.
Gostaria de agradecê-la muito por terem dedicado tempo para responder às perguntas da nossa entrevista. Primeiro de tudo, poderia nos contar como vocês entraram no mundo da música, de onde surgiu a ideia de formar uma banda e como vocês progrediram até aqui?
LAURA MAZARD: Olá, obrigada pelo interesse e pelas perguntas.
Elie Veux, compositor e guitarrista do Oïkoumen, começou a tocar guitarra aos 9 anos depois de ouvir AC/DC no rádio dos pais. Desde então, ele sempre esteve envolvido em projetos musicais até fundarmos o Oïkoumen. Quanto a Yael Febvray, ele aprendeu piano e bateria quando criança, mas depois se concentrou no baixo e participou de vários projetos antes de se juntar ao Oïkoumen. Minha história é diferente: comecei a cantar com este projeto. Antes do Oïkoumen, eu era mais uma ouvinte de música do que uma musicista.
O impulso inicial para criar o Oïkoumen veio do Elie. Quando o conheci, um projeto do qual ele havia participado durante toda a adolescência tinha acabado de chegar ao fim, e ele sentia uma necessidade visceral de se reconectar com algo. Então, quando conversamos sobre isso, pensei que poderíamos criar nosso próprio projeto juntos.
E a partir daquele momento, o projeto nunca parou de evoluir. No começo, era um projeto de vídeo acústico. Depois, deveria se tornar metal sinfônico tradicional, mas conhecemos Yael, que se tornou nosso baixista, e mudamos para influências mais progressivas. Mais tarde, Elie mergulhou na teoria orquestral, e abraçamos o metal prog orquestral. Então, é um projeto que continua evoluindo, embora com nosso próximo segundo álbum, nossa identidade tenha se tornado muito mais definida.
Oïkoumen sempre se apresenta como um projeto “centrado no ser humano”, que fala sobre experiências concretas e traumas reais através de metal sinfônico e progressivo muito intenso. Como vocês explicam esse tipo de projeto?
LAURA MAZARD: Este é o tipo de projeto que tem que ser autêntico e fiel a quem somos. Começamos com uma intenção, uma mensagem que queremos transmitir, uma história que queremos contar ou uma emoção que queremos transmitir, e então nos perguntamos como traduzir isso da melhor forma através da música. É uma música que fala com nossas entranhas, então queremos que atinja as pessoas no mesmo lugar.
Além disso, escolher compor para orquestras e, assim, abraçar a abordagem sinfônica para abordar os assuntos próximos aos nossos corações, pareceu natural. Isso nos permite expressar uma rica paleta emocional, graças à ampla gama de sons que uma orquestra oferece. Também nos permite explorar outras narrativas musicais além do metal, razão pela qual temos peças orquestrais.
O nome Oïkoumen vem do grego antigo e se relaciona com a “terra habitada” e como a humanidade se relaciona com seu entorno. Em que momento vocês sentiram que esse conceito era mais do que apenas um nome legal e se tornou o verdadeiro núcleo de tudo o que vocês fazem musical e liricamente?
LAURA MAZARD: Honestamente, na verdade começamos com quem éramos para encontrar o nome. Eu tinha toneladas de outras ideias em mente, mas eram muito pretensiosas ou muito limitantes. Então, de repente, essa palavra surgiu na minha cabeça, e pensei: Perfeito! Isso é o que melhor representa o que queremos fazer. Mas como a palavra original é “Oikoumene” e não soava muito bem, tomamos a liberdade de retirar o último “e” para torná-la mais agradável de dizer e ouvir.
Vocês mencionam influências que vão de Nightwish, Stratovarius e Iron Maiden a Pink Floyd, Leprous, Meshuggah, Dream Theater e Jinjer, além de referências à música romântica clássica. Como esse caldeirão de referências se une quando vocês compõem para que o resultado soe coeso e tenha sua própria identidade?
LAURA MAZARD: Essa é a mágica que acontece na mente do nosso compositor! Ele tem uma maneira muito pessoal de compor, e o que você está descrevendo são todas as suas referências e como ele as torna próprias, misturando-as com as nossas. Por exemplo, ele ama os ritmos do Meshuggah e vai refletir sobre eles até encontrar ideias que realmente se encaixem em nós. A maneira como o Nightwish combina metal e orquestra também é uma fonte de inspiração, mas mais como um “o que não fazer”, já que eles já fazem isso tão bem. A qualidade cinematográfica do Pink Floyd nos faz sonhar em expressar nosso próprio universo da mesma maneira…
Em resumo, esses artistas nos inspiram de maneiras diferentes, mas o núcleo de sua inspiração composicional na verdade vem da música orquestral, suas harmonias, contrapontos e texturas. Ao buscar inspiração em todos os lugares, isso lhe dá ideias para criar algo que corresponda perfeitamente ao que queremos expressar.
Também devemos acrescentar que essas influências vêm de bandas que ouvimos há anos (às vezes décadas) e que exploramos em nossa própria prática pessoal como músicos. Inevitavelmente, isso deixa uma marca no que criamos, mesmo que não tenhamos a intenção consciente de referenciá-las. Por exemplo, você não pode dizer que o Oïkoumen é metal neoclássico, mas nosso guitarrista desenvolveu sua técnica de mão direita principalmente através de artistas neoclássicos como Stratovarius, Malmsteen, os primeiros trabalhos do Nightwish e assim por diante. Então, embora ele seja inspirado por eles, isso não significa que ele vai escrever linhas neoclássicas. No entanto, o solo em “Burnout” (do nosso primeiro álbum, Dystopia) claramente exige domínio dessa técnica (como tremolo picking em uma linha melódica).
Falando no assunto, eu queria perguntar como vocês veem o metal sinfônico hoje? Já faz um tempo desde que bandas como Nightwish deixaram de ser apenas bandas sinfônicas, e percebo que a música de vocês tem uma pegada muito mais metal do que música clássica, apesar das suas óbvias habilidades técnicas, incluindo os vocais, que podem alternar entre algo operístico e mergulhar fundo no metal.
LAURA MAZARD: É complicado porque parece que o metal sinfônico precisa ser reinventado hoje. O próprio rótulo traz à mente o que era em seu início: sintetizadores, temas fantásticos ou poéticos, riffs galopantes e melodias épicas. É por isso que raramente nos descrevemos como “metal sinfônico” e adotamos o termo “metal prog orquestral”. E quando você olha para onde os gigantes do metal sinfônico estão indo, pode ver que eles também estão indo além daquela estética inicial do metal sinfônico.
Quanto à nossa pegada, estamos muito felizes que o lado metal brilhe! Na verdade, buscamos muito pouca inspiração da música clássica. Estamos mais alinhados com a música barroca ou romântica. Mas continua sendo nossa principal fonte de inspiração, e a orquestra é o ponto de partida para quase todas as nossas composições. Para nós, é uma enorme parte da nossa música.
A trajetória da banda vai de um EP mais “sinfônico clássico”, com temas históricos, para uma estética mais crua e direta em Dystopia, com letras mais engajadas e explícitas. Quais fatores levaram a essa mudança estética e política na música de vocês?
LAURA MAZARD: Na verdade, seguimos esse caminho porque depois de lançar o EP, não estávamos realmente satisfeitos com nossos temas. Eles não ressoavam profundamente conosco, então nos permitimos explorar assuntos que genuinamente nos tocavam. Então percebemos que eles não se encaixavam na estética clássica do metal sinfônico. Então evoluímos essa estética para melhor corresponder ao que queríamos expressar. Mesmo em termos de composição, Elie não se sentia atraído a permanecer dentro dos limites do metal sinfônico tradicional. Um tipo diferente de estética estava chamando-o, e foi assim que tudo se transformou.
A composição também evoluiu junto com suas habilidades. Dystopia foi um laboratório para o que ele queria expressar, enquanto Resilience é o ápice dessa exploração criativa. Como resultado, o som é mais maduro e refinado. Mas em sua essência, a abordagem permanece a mesma: a orquestra entra em diálogo com as partes de metal – precisa ser proeminente, não apenas uma camada de fundo para enfatizar a harmonia, e tem que grovar com as seções de metal.
Uma coisa que notei é que saúde mental é um tema comum para vocês, com uma música que fala sobre burnout (que eu senti quando estava fazendo meu mestrado e também trabalhando) e sobre como viver livre de todas as pressões sociais. Quão importante é a saúde mental para vocês e para o trabalho da banda?
LAURA MAZARD: Saúde mental é tudo. Sem ela, não podemos fazer nada. Se você já passou por momentos difíceis em que o burnout ameaçou te dominar, você sabe exatamente o que quero dizer. Quando estamos lutando, não conseguimos seguir em frente. Pior, podemos entrar em espiral descendente e perder tudo o que nos traz alegria na vida. É por isso que é absolutamente essencial cuidar da sua saúde mental.
Com o Oïkoumen, nos esforçamos para espalhar esta mensagem: “Fale sobre o que está te machucando, porque você não está sozinho, e é possível se sentir melhor”. Dentro da banda, levamos isso muito a sério e permanecemos profundamente atentos aos pedidos de ajuda uns dos outros, especialmente porque ser uma banda independente hoje significa arriscar sua saúde mental todos os dias. Estamos fazendo malabarismos com vários empregos ao mesmo tempo: o que coloca comida na mesa, além de ser músicos, agentes de booking, gerentes de comunidade, vendedores, figurinistas, designers gráficos, empresários, motoristas, gerentes de palco… a lista continua.
Tudo isso para dizer que realizar um projeto como este significa fazer escolhas de vida radicais que automaticamente nos afastam de um caminho de vida tradicional: economizar para a aposentadoria, imaginar ter filhos, investir em hobbies…
Falando diretamente sobre “Reign of Idiocy”: vocês definem a música como uma peça sinfônica e orquestral sobre bullying escolar, contada através dos olhos da vítima. Como surgiu a ideia dessa música e por que vocês escolheram esse tema agora?
LAURA MAZARD: Nos voltamos para temas mais pessoais com este segundo álbum porque escrevi as letras durante um período em que memórias do meu passado ressurgiram.
O primeiro álbum, Dystopia, era fortemente focado na eco-ansiedade porque refletia um período da minha vida em que estava ganhando minha independência e estava especialmente atenta a essas questões. Isso pesava sobre mim (especialmente a desilusão que vem com isso, que os outros membros da banda também compartilham), e eu precisava escrever sobre isso.
Para o Álbum II, passei por momentos difíceis que trouxeram de volta memórias dolorosas do meu passado, e eu queria abordá-las. Então “Reign of Idiocy” é minha maneira de contar a história do bullying que sofri, mas de uma forma que fale a todos, porque estou longe de ser a única que passou por isso. No geral, o álbum inteiro é uma espécie de introspecção compartilhada: histórias que são minhas, ou histórias de outras almas que fizeram parte da minha vida. E está tudo enquadrado de uma maneira mais universal, porque, novamente, os ouvintes querem ouvir sobre histórias de outras pessoas, mas essas histórias têm mais poder se ressoam dentro deles, se as pessoas podem se ver nelas, quer tenham vivido as mesmas coisas ou não. A música nos conecta através de emoções compartilhadas, não apenas experiências compartilhadas.
O tema, de fato, me interessa muito, tanto porque sou professor aqui no Brasil quanto porque sofri muito bullying na minha adolescência, o que me deixou com cicatrizes muito pesadas na minha autoestima. Desculpe meu desabafo emocional, mas sempre me atinge quando alguém consegue colocar em música aquela sensação de merda de ser rejeitado apenas por ser você mesmo. Como vocês interpretam esse tipo de comportamento?
LAURA MAZARD: Bem, aí está! Não vou dizer “estou feliz que você se identifica com o tema”, porque nunca encontraria alegria em saber que você experimentou a abominação que é o bullying. Mas o fato de isso ressoar com você nos toca profundamente.
Para responder sua pergunta, vou falar por mim (porque sou a única na banda que passou por isso). Pessoalmente, acredito que o comportamento de um valentão revela o pior da humanidade: fraqueza, egoísmo e crueldade. É a atitude de alguém que não tem nada acontecendo em sua vida e encontra realização em fazer os outros sofrerem, porque isso lhes dá uma sensação distorcida de importância. E essa é a pior parte: essas pessoas insignificantes arruínam as vidas dos outros, esperando arrastá-los para seu próprio nível de insignificância. É uma maneira incrivelmente fácil de se sentir poderoso, razão pela qual sempre vi os valentões como fracos. As feridas que eles infligem em suas vítimas vão atrasá-las. Os valentões roubam tempo de nossas vidas. Tempo que poderíamos passar nos realizando e moldando nossas vidas no que realmente queremos que sejam. Às vezes, nunca nos curamos completamente do mal que fizeram… Mas sempre há uma maneira de desvanecer as cicatrizes.
Sempre acreditei que fazer mal é muito mais simples do que fazer o bem. Fazer o bem requer esforço, coragem, altruísmo, perspectiva e consideração pelos outros (é mais fácil comer o bolo inteiro do que pensar em guardar uma fatia para todos). É assim que vejo.
E nem estou falando dos covardes que ficam parados e não fazem nada. Se eles simplesmente não permitissem (nem estou pedindo que se levantem contra a injustiça, apenas que não a apoiem), o bullying não existiria. E vamos deixar claro: o bullying pode vir de alunos e professores, e não termina na infância: ele segue as pessoas até a vida adulta também.
De qualquer forma, espero não ter me desviado muito da sua pergunta!
A letra de “Reign of Idiocy” usa imagens muito fortes, como ‘tribunal’ em vez de “playground”, “o jogo que mata” e “o reino da idiotice”, sem suavizar o impacto da violência psicológica. Vocês ficaram preocupados em equilibrar a brutalidade do tema com a possibilidade de acolher pessoas que passaram por isso? Especialmente porque, lendo a letra, sinto que há um vislumbre de esperança para aqueles que passam por esse tipo de experiência.
LAURA MAZARD: Esse tipo de equilíbrio nunca é fácil de alcançar, especialmente porque não gosto de afogar meu assunto em muitas metáforas. Preciso ter certeza de que a mensagem está clara porque quero que ela chegue. Mas acho que é por isso que escolhi me expressar através de uma banda de metal. Para mim, metal é um gênero extremo e, por natureza, pode abordar assuntos difíceis de frente (e esta música nem é a mais crua!). Nem todos podem estar prontos para ouvir sobre esses tópicos, mas sinto que o tipo de pessoa que ouve metal está mais aberta a essa abordagem: confrontar o assunto para processá-lo melhor.
Para mim, metal é a música de emoções intensas e um gênero que foi inerentemente subversivo desde o início. Então, escolhi não me conter muito, embora pense cuidadosamente sobre como abordar o assunto. Claro, esta música, como todas as outras, é feita para acolher aqueles que se conectam com ela, se estiverem dispostos a ouvi-la dessa maneira. Pode não ressoar com todos, e tudo bem.
“Reign of Idiocy” faz parte do conceito mais amplo de Resilience, um álbum que trata da lenta reconstrução após experiências traumáticas, com músicas que abordam as causas, consequências e transcendência da violência. Em que ponto dessa narrativa a música se encaixa e o que ela adiciona ao arco geral do álbum?
LAURA MAZARD: Sua pergunta exige uma lembrança sobre o álbum, que é essencialmente um álbum conceitual. Cada música conta sua própria história e pode se sustentar sozinha, mas juntas, elas formam uma narrativa abrangente. “Reign of Idiocy” é o terceiro capítulo desta história (então, de nove faixas, vem bem cedo).
O álbum abre com uma canção de ninar e um pequeno filme de áudio que imerge o ouvinte na atmosfera de uma infância despedaçada. Isso flui para a primeira faixa, que introduz um exemplo de uma infância arruinada por um ambiente familiar tóxico. “Reign of Idiocy” segue porque às vezes o mal não está em casa, está na escola. Às vezes, está em casa e na escola…
Essas músicas iniciais estabelecem o contexto, levando à próxima faixa, que sugere que mesmo nos momentos mais difíceis, a vontade de se libertar pode se tornar mais forte do que o sofrimento em si. Então chegamos ao ponto médio do álbum com uma balada que revisita o tema da canção de ninar. Ela chega como um momento de introspecção, uma pausa para refletir sobre o que suportamos e para nos voltarmos para o futuro, finalmente começando a reconstruir.
Em seguida, vem uma música que age como um flashback traumático… seguida por uma sobre os pesadelos que nos assombram, não importa o quê. Finalmente, há uma faixa mais esperançosa sobre como falar pode nos libertar. E então a peça de encerramento, uma faixa totalmente orquestral que revisita o tema central do álbum (a canção de ninar), ouvida pela primeira vez na música de abertura e novamente na balada do meio do álbum. Neste ponto, a resiliência tomou conta. As feridas estão cicatrizando, e é hora de seguir em frente.
Resilience, a propósito, é sobre suportar o trauma, mas sinto que vocês também veem que esse tipo de resistência não pode ser passiva, já que as pessoas também precisam reagir e ter a força para lutar. Como vocês abordam esse tema?
LAURA MAZARD: É interessante que você tenha notado isso… Agora que penso nisso, acredito que minha própria perspectiva brilha ali. Por muito tempo, procurei ajuda externa, mas ela nunca veio. Então, um dia, alguém muito importante para mim disse algo que mudou tudo: “A única pessoa que estará com você do nascimento à morte é você”. Isso mudou tudo para mim. Percebi que tinha que encontrar a força dentro de mim. Caso contrário, passaria minha vida inteira esperando que alguém me salvasse e, mesmo que essa pessoa aparecesse, o que eu seria? Dependente dela? Absolutamente não!
Então sim, acredito que não podemos nos curar a menos que comecemos o processo nós mesmos (e nunca nos curaremos apenas esperando). Isso não significa que temos que fazer tudo sozinhos! Podemos obter força dos outros, nos apoiar neles, mas não podemos deixá-los fazer o trabalho por nós. Precisamos da vontade de nos libertar, e então podemos reunir as ferramentas de que precisamos daqueles ao nosso redor. Mas o fogo? Esse vem de dentro (e isso pode ser sobre o que será o terceiro single que está por vir!).
Vocês usam Kintsugi, a arte japonesa de reparar cerâmicas quebradas com ouro, como uma metáfora visual para Resilience, transformando feridas em algo visível e valioso. Como esse tema aparece no seu novo trabalho?
LAURA MAZARD: Apareceu como uma escolha óbvia! Kintsugi expressa perfeitamente a ideia de resiliência, então pensei imediatamente nisso uma vez que o tema do álbum foi definido. Então todos nós concordamos que se encaixaria perfeitamente em nosso universo artístico, especialmente porque estávamos procurando fortalecer nossa identidade visual!
Vocês investiram pesado em videoclipes, como “Burnout”, “The Green Queen” e agora “Reign of Idiocy”, usando o audiovisual quase como uma extensão do conceito das músicas. Qual papel o vídeo desempenha para vocês na experiência completa da faixa?
LAURA MAZARD: Para nós, o vídeo é extremamente importante, mas, claro, temos que trabalhar dentro de nossos meios (quando olho para trás para o storyboard que criei para “Burnout”… se tivéssemos feito tudo como planejado, o videoclipe teria custado dezenas de milhares de euros. É por isso que tivimos que reduzir drasticamente o orçamento para… Quase zero!).
Temos sorte de ter uma equipe incrivelmente dedicada que nos apoia nisso. Para nós, os visuais completam o som, embora seja totalmente aceitável se as pessoas escolherem experimentar um sem o outro. Idealmente, adoraríamos fazer um videoclipe para cada faixa!
E para ser completamente honesta… estamos atualmente trabalhando em uma versão orquestral do álbum, e estamos tentando imaginar uma espécie de curta-metragem que se estenderia por toda a duração do álbum. Mas meu instinto me diz que isso é um pouco ambicioso demais (assim como a ideia de ter o álbum executado por uma orquestra real). Ainda assim, nesta fase, podemos sonhar!
Vi que “Enchanted Worlds” conta com os caras do Hartlight (que, devo acrescentar, são pessoas incríveis). Como surgiu essa colaboração entre as duas bandas?
LAURA MAZARD: Com “Enchanted Worlds”, foi um caso especial porque a faixa se destaca em termos de estilo e energia do resto de nossa discografia. Queríamos dar a ela um arranjo orquestral mais rico do que a versão do EP, e não muito antes, tínhamos planejado fazer uma turnê com o Hartlight. Foi então que me ocorreu: eu realmente queria a voz da Noémie nesta música! Parecia a energia perfeita para ela. Além disso, a faixa tem aquela vibe que me lembra a música do Hartlight (ouço muito o primeiro álbum deles porque, para mim, tem aquela sensação de trilha sonora de videogame japonês que adoro muito). E como a música é basicamente uma carta de amor aos videogames, tudo se encaixou na minha cabeça.
Vi isso como minha chance de cantar com Noémie (porque adoro absolutamente a voz dela!). Então pedimos a eles, eles disseram sim, e ficamos emocionados! O único lado negativo é que não pudemos investir mais no videoclipe (foi filmado entre datas de turnê durante nossa mini-turnê, então… não pudemos fazer milagres!).
A banda passou por várias mudanças de formação e parcerias, incluindo a adição de um programador orquestral e colaborações ocasionais com bateristas. Como isso impactou o som atual de vocês, especialmente nas gravações mais recentes?
LAURA MAZARD: Conhecer Julien Prost, que cuida da programação orquestral e nossa mixagem, realmente mudou tudo! Em nosso álbum anterior, não tínhamos a experiência para fazer nossas orquestras soarem do jeito que queríamos, então não desenvolvemos tanto o lado orquestral. Mas quando Julien entrou para a música “Impulse”, um enorme mundo de possibilidades se abriu! Foi uma virada de jogo e deu a Elie (que escreve partituras orquestrais completas) muito mais liberdade criativa (e ele já encontrou maneiras de desafiar Julien).
Quanto aos bateristas, tem sido complicado. Tivemos uma experiência incrível com Clément Denys, que realmente elevou a bateria no Álbum I – Dystopia. Adoraríamos continuar trabalhando com ele, mas dado como sua carreira decolou, não podemos oferecer a ele acordos que façam sentido para ele, então tivemos que deixar essa ideia de lado por enquanto. Para o Álbum II – Resilience, decidimos programar a bateria para que qualquer futuro baterista possa visualizar melhor seu papel no projeto.
Até agora, fizemos cerca de dez audições, mas não encontramos ninguém que seja habilidoso o suficiente, motivado o suficiente e comprometido o suficiente para fazer funcionar. E como bateria e ritmos são fundamentais para nossa música, não podemos nos contentar com “bom o suficiente”, então, bem! Por enquanto, estamos seguindo em frente sem um baterista, sem orquestras ao vivo… Mas a porta está bem aberta!
No Álbum II – Resilience, também colaboramos com Corentin Petit (Silth) nos vocais, e pensei: isso é incrível! Então nosso projeto não está nada fixo nesse sentido. Apenas temos música para defender, e iremos onde quer que essa música nos leve.
A França não é tradicionalmente considerada um “país do metal”, embora tenha uma cena de nicho muito rica, além da alta visibilidade de Gojira e Alcest. Quais são os maiores desafios e vantagens de fazer metal sinfônico/progressivo lá?
LAURA MAZARD: A França não é exatamente um bastião do metal (embora tenha uma cena sólida de black metal e metalcore), e para o metal sinfônico, é ainda mais difícil! Lutamos para ser levados a sério, embora existam algumas bandas incríveis por aí. Quanto ao prog, é difícil generalizar porque é uma mistura variada.
A única vantagem que vejo é que o público nesse nicho é super ativo e dedicado, mesmo que sejam poucos em número. Então construímos um relacionamento incrível com eles! Caso contrário… bem, é apenas difícil. Na verdade, estamos pensando em focar mais em outros países europeus que são mais receptivos a este estilo!
Não pude deixar de perguntar, mas vocês conhecem e gostam de alguma banda do Brasil?
LAURA MAZARD: Claro! Há os titãs como Angra e Sepultura. Recentemente descobrimos Kamala em uma convenção na França. Também fiquei muito impressionada com os videoclipes do Project46. E depois há Noturnall com a voz incrível de Thiago Bianchi… Krisiun, Shadowside, Vandroya… E tenho certeza de que há outros que estou esquecendo (ou nem sei que são brasileiros, haha)!
Agora é hora de nos despedirmos. Antes de qualquer coisa, obrigado pela entrevista (que não arrisquei escrever em francês porque nunca fui um aluno muito dedicado quando estudei a língua na universidade). Agora é hora de deixar uma mensagem para nossos leitores. Vamos lá.
LAURA MAZARD: Hahaha, ainda bem que você fez em inglês! Se a entrevista tivesse sido em francês, teríamos que responder em brasileiro 😉
Muito obrigada por esta entrevista! Ela nos deu muito em que refletir! Esperamos que inspire seus leitores a descobrir nossa música ou, melhor ainda, a descobrir mais sobre si mesmos.
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